El Chef, la receta de la felicidad de Daniel Cohen

Titulo: Comme un chef (El Chef)
Nacionalidad: Francia
Duración: 85 min
Año: 2012

Director: Daniel Cohen
Guionistas: Daniel Cohen
Actores principales: Jean Reno, Michael Youn, Raphaëlle Agogué, Salomé Stévenin, Santiago Segura.

Género: Comedia
Temas: Gastronomía
Premios: -

Sinopsis: El joven Jacky Bonnot sueña con triunfar en un gran restaurante. Pero su precaria situación económica le obliga a aceptar trabajos como cocinero que ni siquiera consigue conservar. Un día se cruza en su camino Alexandre Vauclair, un célebre chef, cuya acomodada posición se ve amenazada por el grupo financiero propietario de sus restaurantes (FILMAFFINITY).

Análisis: parece que en España hemos olvidado que la comedia no es sino un modo literario de tratar los diferentes problemas humanos a través de un tono ligero que nos permite disfrutar de la historia y, a la vez, aprender para nuestra propia vida. Y que la comedia no consiste en hacer reír al espectador cada tres frases convirtiendo finalmente las películas en una sucesión de skeches.

Generalizando, la comedia española parece asentarse en la comicidad de unos personajes extremos, poco reales y cuya función principal es ser voceros de ingeniosas frases llenas de contenido sexual y  escatológico la mayoría de las veces (sin olvidarnos del porcentaje de acida crítica a la política y actualidad del momento). Un tipo de comedia muy asentado en nuestra tradición (desde los criados del teatro barroco del Siglo de Oro a personajes como el de Paco Martínez Soria en los años 60 de nuestro siglo) que consiste en someter y ver cómo ese personaje se desenvuelve en las diferentes situaciones disparatadas en las que le involucramos.

Y es que parece que hayamos olvidado, así lo creo yo, que es preferible que una película nos haga sonreír una vez a reír cientos de ellas. Estableciendo la diferencia entre ambos términos en que la risa es algo frío y temporal que surge como reacción a una situación determinada, mientras que la sonrisa se asienta en la identificación con la situación que se desarrolla ante nuestros ojos y, por ello, esa sensación se alarga en el tiempo creando incluso un vínculo a partir de ese momento entre nosotros y esa película que nos ha conmovido.

Y esta película, y en general la comedia francesa de la que yo me declaro fan, se mueve mucho más en el mundo de la sonrisa que en el de la risa. El Chef nos cuenta la historia de dos hombres que se enfrentan a dos etapas muy diferentes: la del profesional exitoso que debe aceptar que su tiempo ha pasado y de que hay cosas más importantes en la vida y que le van a satisfacer tanto o incluso más que dirigir un restaurante de éxito; y la del que, tras haber luchado muchos años por ella, consigue la oportunidad laboral de su vida y que es capaz de afrontarlo logrando además triunfar también en su vida privada, aprendiendo con ello de los errores de su antecesor.

Una película por tanto que pretende contarnos algo y perdurar a través de la identificación con los personajes y la situación que viven; y no exclusivamente producirnos el efímero placer de hacernos reír a través de la presencia de personajes graciosos envueltos en situaciones disparatadas. Se trata de una historia sencilla, muy bien construida, perdurable (ya que aguanta perfectamente un segundo y tercer visionado) y que te hará sonreír. No te reirás; pero pasarás un rato más que agradable.

Valoración final: *** (3 sobre 5)

El final de Saw

He tardado varios años en ver Saw (no era demasiado fan de este género) y lo he hecho por los comentarios positivos relacionados con ella y su sorprendente final. En este post sólo hablaré de su final, el cual no describiré: si has visto la película, sabes perfectamente a qué me refiero; y si no la has visto, no leas esto porque será inevitable desvelar algo (#spoiler).

¿El final de Saw resulta sorprendente? Sí, sin duda; pero como lo son los trucos de los malos magos: trucos baratos hechos con puro artificio. Los buenos magos, los ilusionistas, te enseñan la realidad, te la ponen delante de tus ojos; pero consiguen desviar tu atención y que no te fijes en ella hasta cuando ellos quieren. Y, entonces, te asombran. Y todo cuadra. 

Y del mismo modo debe actuar un buen guionista en cuanto a lo que la construcción de un buen final se refiere. Tiene que mostrar ciertos elementos sueltos que cuando después se resuelvan hagan decir al espectador: ¡qué cabrón! ¡No sé cómo no me he dado cuenta antes!

Sin embargo, esta última parte no se cumple en el final de Saw. Nadie (o poca gente en el mundo: iluminados hay en todas partes) podía esperarse ese final porque no había ninguna pista que así lo hiciera intuir. Bueno, en verdad hay dos; pero son tan nimias que aun hace que este final planteado por los guionistas me enfade todavía más. En el momento en que el final se resuelve los guionistas recuerdan un par de momentos: un personaje totalmente marginal en la trama  (que apenas es enfocado tres segundos) y una frase del inspector de policía que dice que al asesino siempre le gusta observar sus macabros crímenes. Dos escenas que ponen el foco (uno de gran tamaño) sobre un personaje que queda librado de culpa tras el giro final de la trama.

Ello muestra que los guionistas de la película tienen oficio y que saben todo lo que explico al principio de este post: que el final se construye con elementos repartidos a lo largo de toda la película. Pero en mi opinión lo utilizan de "manera poco ética" y facilona. Yo, como espectador de la película no me sentí sorprendido, sino manipulado. Y detesto (de ahí que haya utilizado el término ética) que los guionistas manipulen al espectador empleando los recursos clásicos del guión de manera tramposa.

Habrá mucha gente que piense que el final sí está justificado, que los guionistas te dan pistas y que mola eso de que desvíen tu atención sobre un personaje que al final acaba resultado una víctima más del sangriento juego para que luego el malo surja de la nada. Y ni eso, podrían decir los mismos, porque el malo ya ha salido previamente enfocado por la cámara. Allá tú si no lo vistes. Ya te han dicho que al asesino siempre le gusta ser espectador de lo que pasa.

Pero a esa gente, si la hubiera, le diría yo: ¿qué sabemos del malo, de sus motivaciones, qué conocemos de él? Absolutamente nada. Sólo que surge de la nada, que está totalmente loco y que tiene una enfermedad. Cuando el malo aparece se acaba la película. Es la maldad por la maldad, sin trabajar, sin profundizar en ella o sobre su presencia en ese mundo. Efectista sí; que provoca incertidumbre al espectador, también; pero nada de profundidad y de elaboración por parte de los guionistas, demasiados preocupados en jugar a sorprender al espectador con elementos vacíos.

En definitiva, me cabrea el final de Saw porque los guionistas "toman atajos" para montar un final  sorprendente que no está sustentado en nada (no me valen esos dos pequeños detalles tramposos que he comentado). Es como si en el final de una película cualquiera de repente explota una bomba cuya existencia tu desconoces en el coche de los protagonistas matando a ambos. ¿Sorprendente? Mucho. Pero ya. Ahí acaba toda la historia. Fast food en formato cinematográfico. Pero eso no es cine y, sobre todo, no es literatura. Esta se mueve por otras reglas y deberíamos ser más respetuosos con ellas.

La intriga en Lo imposible

Este fin de semana he disfrutada de la nueva película de J.A. Bayona , Lo imposible, en el cine (esta peli es para verla en pantalla grande) y ha habido dos aspectos del guión de la película que me han hecho reflexionar:  los conocimientos previos con los que el espectador cuenta y el punto de vista desde el que se narra la historia de esta familia (y la influencia que puede haber entre uno y otro).

En primer lugar, comentaré la dificultad que supone para la narración los conocimientos previos que el espectador puede tener sobre la historia. Y en este sentido la clave está en si el espectador conoce o no (SPOILER) que los cinco miembros de la familia sobrevivieron al tsunami. Yo lo sabía. Y, en general, al menos en España, el marketing no ha escondido que esta película se basaba en la historia real de una familia española que logró sobrevivir a la catástrofe. Pero, ¿ocurre lo mismo en otros países?

Este hecho influye en la gestión de la intriga en la narración,  fundamentada en el punto de vista desde el que se cuenta la historia. Y, en mi opinión, hay momentos que no funcionan si el espectador conoce el desenlace de la historia.

Tras la catástrofe, la narración toma el punto de vista de la madre y del hijo mayor. Hasta mediada la cinta no sabemos qué ha ocurrido con el resto de la familia. Y este cambio en el punto de vista al del padre se da tras un aumento en la intriga, cuando Lucas no encuentra a su madre en el hospital y nos preguntamos: ¿habrá muerto la madre mientras Lucas ayudaba a otras personas en el hospital? Un momento de intriga que, como he dicho, no tiene el mismo efecto si conoces la respuesta. Tú, espectador, sabes más que el personaje; lo miras desde fuera y eso hace que cueste más identificarte con él. La gestión del conocimiento en un guión me parece un punto esencial para lograr que el espectador se sitúe donde tú quieres con respecto de la historia y transmitirle sensaciones distintas.

Lo mismo sucede con otros punto de intriga en la narración. En la siguiente escena vemos al padre buscando a su familia. Resolvemos así una pequeña intriga que no es tal: el padre sigue vivo también. Y de nuevo se establece una nueva cuestión: ¿y los hijos pequeños? Pregunta que se resuelve inmediatamente en una escena previsible si se conoce la historia. El tercer punto de intriga que no funciona para el "espectador inteligente" es el del peligro de muerte de la madre. De nuevo, el espectador no se sitúa al mismo nivel de los personajes que esperan el desenlace de la operación a vida o muerte de su madre, porque el espectador tiene más información.

Por todo ello, una vez que estos puntos de intriga, que estructuran el guión,  no funcionan, la parte más lograda de la película es el reencuentro de todos los miembros de la familia. Este trozo de la narración no se mueve tanto por la intriga como por el recurso que yo voy a llamar de testimonio. El espectador ya sabe que todos los miembros de la familia están vivos y lo que esperas ver es su reencuentro. Por primera vez el guión y la realidad de la historia se encuentran, es decir, ya todos los espectadores están igualados en su conocimiento: la familia sobrevive. Y ahora, como espectadores, queremos emocionarnos con el reencuentro. Y esa escena funciona mucho mejor que las que se basan en responder a un interrogante que muchos espectadores ya sabemos responder de antemano. 

Lo imposible es una película con un marcado carácter internacional: ha sido rodada en inglés y con actores de Hollywood. Y creo que el guión sigue esta misma tendencia: está pensado para un espectador ajeno a la historia. Funciona si no conoces la historia de la familia; en caso contrario, hay momentos en que te sitúas fuera de la película porque ya tienes respuesta a los interrogantes que se te plantean. Y de nuevo me pregunto: ¿la mayoría de los espectadores que van a ver la película no saben el final de antemano?

Una respuesta positiva a esta pregunta justificaría ese uso de la intriga en la narración de la película. Pero si no quizá debería haberse tenido en cuenta a la hora de escribir el guión y usar otro tipo de recursos para la carga dramática de la película, más en la línea de dar testimonio de lo ocurrido que plantear interrogantes sobra la supervivencia o no de los personajes. 

Guionistas: I. A. L. Diamond

I.A.L. Diamond

Sus primeros años: el nombre completo de este guionista y productor es Itek Izzy Dominici. Su nombre I. A. L. nació como una broma: son las iniciales de la Interscholastic Algebra League en la que competía cuando era estudiante. Diamond nació en Ungheni, (Rumanía, actualmente Moldavia), el 27 de junio de 1920. Allí vivió hasta los 9 años cuando emigró con su familia a Brooklyn. Destacó en matemáticas durante su etapa secundaria llegando a ganar varias medallas de oro en las Olimpiadas de esta materia.

Estudió periodismo en la universidad de Columbia donde ya firmaba sus artículos en el periódico de la facultad (el Columbia Daily Spectator) como "IAL Diamond".  Fue también editor de la revista de humor Jester of Columbia, miembro de la Philolexian Society y la única persona en escribir cuatro años consecutivos en el Varsity Show. Todo estos reconocimientos y logros durante su etapa universitaria hicieron que abandonara su idea de seguir en la universidad y aceptar un contrato para escribir en Hollywood.

Comenzó con una serie de contratos temporales, sobre todo en la Paramount Pictures en la que trabajó en varios proyectos sin recibir en última instancia un crédito por su trabajo. Después cambió a Universal donde en 1944 logra su primer guión reconocido con un crédito, Murder in the Blue Room (Asesinato en el Salón Azul). Un año después, con la Warner Brothers, consigue su primer gran éxito y el reconocimiento con Never Say Goodbye (Nunca te alejes de mí). 

Sus trabajos con Billy Wilder
Escribe varias películas más, muchas de ellas para la 20th Century Fox, hasta que en 1957 comienza su fructífera relación con Billy Wilder con la película "Love in the Afternoon" (Ariane en España). Después le siguieron, grandes clásicos la mayoría de ellos, títulos como "Some Like It Hot" (Con faldas y a lo loco), "The Apartment" (El apartamento), "One, two, three" (Uno, dos, tres), "Irma la Douce" (Irma la Dulce), "Kiss Me, Stupid" (Bésame, tonto), "The Fortune Cookie" (En bandeja de plata), "The Private Life of Sherlock Holmes" (La vida privada de Sherlock Holmes), "Avanti" (¿Qué ocurrió entre tu padre y mi madre?), "The Front Page" (Primera Plana), "Fedora" (Fedora) y "Buddy Buddy" (Aquí un amigo).

Con ellas logró un Oscar de la Academia al Mejor Guión (The Apartment) y dos nominaciones: una por The Fortune Cookie (En bandeja de plata) y otra por Some Like It Hot (Con Faldas y a lo loco), en esta ocasión como mejor guión adaptado. También logró un Globo de Oro al mejor guión por Avanti (¿Qué ocurrió entre tu padre y mi madre?) además de tres premios WGA Awards y siete nominaciones.

En total, Diamond y Wilder escribieron juntos 25 años, hasta 1981, tiempo durante el cual escribieron doce películas. Como afirma la viuda de Diamond las relaciones que se establecen entre los personajes masculinos de sus últimas cintas están basadas en las propias interminables discusiones de Diamond y Wilder, como el Joe y Jerry de Con faldas y a lo loco o el Holmes y el Watson de La vida privada de Sherlock Holmes. Durante este tiempo, Diamond sólo escribió un título alejado de su trabajo con Billy Wilder, la adaptación de la obra teatral Cactus Flower (Flor de Cactus) que mantuvo el título en su versión cinematográfica.

Sus últimos años
En 1980 I.A.L Diamond recibe junto a Billy Wilder el Laurel Award (Premio Laurel) otorgado por el sindicato de guionistas de Estados Unidos en reconocimiento a toda su carrera. Wilder había recibido previamente también este premio junto a su otro guionista de cabecera, Charles Brackett, con el que trabajó entre 1935 y 1950. Diamon murió en Beverly Hills, California, en 1988.

Filmografía:
1944. Murder in the Blue Room
1946. Two Guys from Milwaukee
1946. Never Say Goodbye
1947. Love and Learn
1948. Always Together
1948. Romance on the High Seas
1949. Two Guys from Texas
1949. It´s a Great Feeling
1951. Love Nest
1951. Let´s Make it Legal
1952. Monkey Business
1952. Something for the Birds
1956. That Certain Feeling
1957. Love in the Afternoon
1958. Merry Andrew
1959. Some Like It Hot (Con faldas y a lo loco). Nominado al Oscar.
1960. The Apartment (El Apartamento). Ganador del Oscar.
1961. One, Two, Three (Un, dos, tres)
1963. Irma la Douce (Irma la dulce)
1964. Kiss Me, Stupid (Bésame, tonto)
1966. The Fortune Cookie (En bandeja de plata). Nominado al Oscar.
1969. Cactus Flower (Flor de Cactus)
1970. The Private Life of Sherlock Holmes (La vida privada de Sherlock Holmes)
1972. Avanti! (¿Qué ocurrió entre tu padre y mi madre?)
1974. The Front Page (Primera Plana)
1978. Fedora (Fedora)
1981. Buddy Buddy (Aquí un amigo)

Bibliografía:

El hombre detrás del guionista (LaButaca.net)

Billy Wilder & I.A.L Diamond (Miradas de Cine)

"Some Like It Hot" Billy Wilder and I.A.L. Diamond (American Film Institute)

Transcript of a 1986 interview with Billy Wilder and I.A.L. Diamond about their collaborative filmmaking careers .

¡Ayúdanos!

Si puedes aportar alguna información sobre este director

por favor, escríbenos a

cinedeguionistas@gmail.com

"Small Town Murder Songs" de Ed Gass-Donnelly

Título: Small Town Murder Songs
Nacionalidad: Canadá
Duración:75 min

Director: Ed Gass-Donnelly
Guionista: Ed Gass-Donnelly
Actores principales: Peter Stormare, Martha Plimpton, Jill Hennessy, Aaron Poole, Ari Cohen, Jackie Burroughs.

Género: Thriller. Crimen. Policiaco.
Temas: Redención, Vida Rural, Crimen y delincuencia.
Premios: Premio Fripesci (Festival de Toronto).

SECCIÓN ATLAS

ATLÁNTIDA FILM FEST

Sinopsis: Un cuento gótico moderno sobre crimen y redención. Cuando una joven no identificada es encontrada muerta en el lago víctima de un crimen brutal, Walter, un oficial de policía ya mayor, es llamado para investigar un asesinato por primera vez en décadas. Atormentado por su pasado, por la desconfianza de la comunidad y por un policía estatal que supervisa la investigación, Walter se dispone a resolver el asesinato que se complica cuando la sospecha recae sobre el novio actual de su ex-amante. Y su vida recién reformada empieza a correr peligro cuando él mismo se convierte en sospechoso del asesinato (FILMAFFINITY).

Crítica: el problema de esta película está en que es presentada al espectador como un thriller y, como tal, defrauda las expectativas. La historia no tiene una trama que podemos denominar extrema, sino que se basa en un conflicto interno de un personaje que intenta superar su pasado. Es una historia de redención. Y la resolución del caso está estrechamente ligada a ese proceso de redención. Cuando el personaje protagonista, ese policía de avanzada edad de vuelta de todo, se redima en lo que es el climax de la película, el caso quedará resuelto.

La investigación, debido a ello, avanza de manera bastante plana. Apenas acuden a un bar de streaptease para identificar a la víctima y confirmar que el principal sospechoso estuvo con ella aquella noche (descubren ambas cosas del tirón y por un golpe de suerte). El principal conflicto que se plantea durante la investigación se da nuevamente en el interior del personaje: si este se deja llevar por el pasado y por sus prejuicios para sospechar del novio actual de su ex-amante o se deja llevar por su intuición de viejo policía y sus actuaciones tienen un fundamento policial.

La palabra que puede definir al personaje protagonista es atormentado. Pero apenas se deja vislumbrar el motivo de tal estado. A través de flashback vemos algunos errores cometidos en el pasado, actuaciones violentas, y al comienzo de la película asistimos a su bautizo como símbolo de su deseo de comenzar una nueva vida. Pero a partir de ello no encontramos motivos para empatizar con él. En todo momento se muestra frío y opaco en sus sentimientos. Sólo podemos acercarnos a él a través de violentos flashbacks.

Se trata por tanto de una historia de redención que parece intentar adornarse con una investigación policial y con algún que otro personaje (pero esas subtramas, como la del policía ayudante del protagonista, no tienen continuidad ni presentan un conflicto); pero finalmente resulta bastante convencional en lo que a su guión se refiere. Hace poco veía una película de los Dardenne "El niño de la bicicleta" que conseguía con una escena contar lo mismo que "Small town Murder Songs" en una hora y sin ese tono tan bíblico.

VALORACIÓN FINAL: ** (sobre 5)

   

"Alps" de Yorgos Lanthimos

Título: Alps
Nacionalidad: Grecia
Duración: 93 minutos

Director: Yorgos Lanthimos
Guionistas: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou
Actores Principales: Aris Servetalis, Johnny Vekris, Aggeliki Papoulia, Ariane Labed

Género: Drama
Premios: Festival de Venecia (mejor guión)

 SECCIÓN ATLAS

ATLÁNTIDA FILM FEST

Sinopsis: La nueva película del director de "Canino", una auténtica joya. Una enfermera, un conductor de ambulancia, una gimnasta y su entrenador fundan Alps, una compañía especializada en hacerse pasar por personas fallecidas que contratan los propios familiares, amigos o compañeros del difunto.

Comentario: "Era como un juego que los dos habíamos decidido jugar, sin tener que discutir las reglas... Aquella mujer sabía que yo no era su nieto Robert... Pero le hacía feliz fingir, y puesto que yo no tenía nada mejor que hacer, me alegré de seguirle la corriente". Parece que, esta escena del Cuento de Navidad de Auggie Wren, inspira esta empresa, Alps, que se encarga de sustituir a aquellas personas fallecidas durante unas horas a la semana para hacer más llevadera la pérdida a sus familiares. 

Para ello, los familiares tienen que aceptar las reglas de ese macabro juego del mismo modo que nosotros, los espectadores, tenemos que aceptar las reglas de la ficción que esta película nos exige para adentrarnos en este especial mundo y comprender cómo, una empresa de tal hechura, puede ser aceptada de manera tan natural por los familiares de los fallecidos. Y resulta necesario realizar un esfuerzo de casi una hora para por fin adentrarte en este mundo y empezar a disfrutar de esta cinta que toma interés una vez que se focaliza sobre el personaje de la enfermera. Antes, la primera hora, se pierde en una larga presentación de personajes y situaciones yuxtapuestas, como autocomplaciéndose en esa idea supuestamente genial de una empresa que se dedica a sustituir a las personas fallecidas. Pero como ya he dicho, la película cobra interés cuando se centra en un personaje, en su conflicto, y a través de él empieza a desarrollarse una trama con un desarrollo temporal y, como consecuencia de ello se empieza a reflexionar sobre la soledad, la identidad y la estrecha relación entre la ficción y la realidad.

Y es que a mí lo que más me ha interesado de la película es esa estrecha y fina relación que la película establece entre la ficción y la realidad. Una idea que aparece en la historia de la enfermera y en la que quizá podría haberse profundizado más. Ese no saber distinguir como espectadores si la vida de esa enfermera se mueve en la realidad o en la ficción y si ella existe fuera de ese fingir ser un fallecido ante sus familiares. Porque cuando de repente, ya no la necesitan, su vida empieza a no tener sentido porque le acaba sucediendo como a los personajes de ficción, que no existen fuera del libro o la película de la que toman parte. Y a partir de ahí podemos revisar el papel que la ficción juega muchas veces dentro de las vidas de las personas como vía de escape de su propia realidad y de vivir otras vidas a través de los personajes que la pueblan.Y la enfermera decide probar a vivir en ese mundo de la ficción, viviendo la vida de otros y, finalmente es el personaje derrotado porque es el único de los cuatro que no tiene una motivación externa a esa empresa Alps que funciona como umbral entre el mundo de la ficción y la realidad. 

Es una película difícil, que necesita de un esfuerzo por parte del espectador; pero que, finalmente, aunque sea sólo por esa media hora final, merece la pena realizar. Aún así creo que podría haberse profundizado más en las consecuencias que participar de esa empresa tiene en sus protagonistas y en sus clientes, profundizando más en los resortes que hace que Alps tenga éxito.

Valoración Final: *** (sobre 5)

Andrea Arnold

Biografía

Andrea Arnold (1961) es una cineasta y actriz británica nacida en Dartford, en el condado de Kent, que debutó como directora en 2006 con la película Red Road. En el año 2011 fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la industria cinematográfica.

Tras acabar su etapa escolar a finales de los 70, Andrea Arnold empieza su carrera en televisión como bailarina en varios programas. Después, con apenas 18 años, comienza a trabajar como presentadora de programas infantiles tales como Number 73 y Motormouth, labor que desempeña durante gran parte de la década de los 80 y que hizo de ella una figura clásica de las mañanas de los sábados en la televisión inglesa.

En los noventa, Andrea decide dejar el mundo de la televisión y reconducir su carrera. Con más de treinta años se inscribe en la prestigiosa escuela cinematográfica AFI Conservatory de Los Ángeles y más tarde recibe formación en la escritura de guiones en los laboratorios PAL de Kent. 

Sus inicios en el cortometraje

Durante estos años de formación rodó sus primeros cortometrajes. Su primer cortometraje Milk (1998) fue seleccionado para competir en la Semana Internacional de la Crítica y descrito por Film Review como un corto notable. Con Dog (2001) ganó varios premios y fue proyectado en la Semana Internacional de la Crítica en Cannes. Levantó una oleada de protestas cuando lo emitió la BBC2 como una de los cinco incluidos en el programa "Ways to Leave your Love" (Cómo dejar a tu amante); pero The Times lo describió como una "gema desoladora" y dijo que "en una colección de relatos, este sería de Chéjov.

En 2003 termina de rodar su cortometraje Wasp con el que gana el Oscar en la categoría de mejor cortometraje en el año 2005. Al recoger la estatuilla dijo: "As we say in England this is the dogs bollocks" (como decimos en Inglaterra esto es cojonudo), una frase que llamó mucho la atención dentro del glamour de la ceremonia de entrega de los premios de la academia estadounidense. El cortometraje, una pieza de veintitrés minutos, cuenta la historia de una madre soltera que vive con sus tres hijos en un barrio pobre de Inglaterra y que siente nostalgia de los tiempos en que salía a ligar, iba a las discotecas y vivía libre de toda responsabilidad. Después de varios años, conseguirá por fin una cita con un hombre. Este celebrado cortometraje ganó más de 37 premios internacionales, entre ellos el Premio del Jurado a la Realización Internacional del Festival de Sundance y el Premio al Mejor Corto No Animado del Festival de Toronto. Fue descrito por el periódico The Guardian como"poesía fílmica de realismo social".

Sus largometrajes

En el año 2006 presenta su primer largometraje Red Road, un cruce de thriller y drama urbano en el que Jackie, una mujer que trabaja observando las imágenes ofrecidas por las cámaras de vigilancia de la ciudad de Glasgow, descubre a través de ellas que el que fue responsable de la muerte de su marido y su hija ha salido de la cárcel por buena conducta. Red Road supuso un gran debut para la directoras que volvió a tener éxito en los Festivales a los que acudió. Recibió el Gran Premio del Jurado en Cannes y  fue reconocida como mejor directora novel en los Premios Bafta.

Red Road representa la primera película de lo que se conoce como "The Advance Party", un nuevo proyecto experimental ideado por Lars Von Trier en el que tres prometedores directores realizan tres películas diferentes con los mismos actores interpretando a los mismos personajes. Al igual que el Dogma95 los tres filmes se deben realizar según una serie de reglas estrictas: deben ser filmadas digitalmente, en localizaciones ubicadas en Glasgow durante seis semanas y usando los nueves personajes (y los actores que los interpretan) ideados por los guionistas daneses Lone Scherfig y Anders Thomas Jensen. La segunda entrega se titula Donkeys y está dirigida por Morag McKinnon, y la tercera la tiene que dirigir Mikkel Norgaard.

Tres años después estrena su segunda película, Fish Tank, que cuenta la historia de Mia, una adolescente frustrada de quince años, huérfana de padre y cuya madre apenas se ocupa de ella. Mia sufrirá un verdadero colapso cuando se entera de que su madre está saliendo con un chico y que pretende llevárselo a casa. Andrea Arnold cosecha de nuevo con esta cinta un gran éxito en los Festivales, volviendo a repetir en Cannes con el Premio del Jurado y ganando el Bafta a la mejor película.

Su última película hasta el momento ha sido Wuthering Heights (2011), un proyecto mucho más ambicioso con el que ha vuelto a llevar a la pantalla la novela de Emily Brontë, Cumbres Borrascosas. Con esta película, por primera vez, la directora no emplea un material escrito por ella (es un guión de Olivia Hetreed que no puede considerarse como una adaptación de la novela) y se aleja de las torres de pisos de protección oficial y de los paisajes suburbanos de Inglaterra, lo que supone un cambio de escenario y estilo para la directora. La película se proyecto en competición en la 68º edición del Festival Internacional de Cine de Venecia alzándose con la Osella de Oro a la Mejor Fotografía.

Filmografía

1998 Milk (cortometraje)

2001 Dog (cortometraje)

2003 Wasp (cortometraje). Ver en Vimeo (en inglés)

2006 Red Road

2009 Fish Tank

2011 Wuthering Heights (Cumbres borrascosas)

Premios principales

2005 Oscar: mejor cortometraje (Wasp)

2006 Cannes: Gran Premio del Jurado (Red Road)

2006 Bafta: Mejor Director Novel (Red Road)

2009 Cannes: Premio del Jurado (Fish Tank)

2009 Bafta: Mejor Película (Fish Tank)

¡Colabora con nosotros!

Si puedes corregir o aportar algún dato sobre estos autores o puedes sugerirnos algún reportaje o entrevista aparecida en algún medio sobre ellos...

Escríbenos a cinedeguionistas@gmail.com

Ficha: Jean Pierre y Luc Dardenne

Biografía: Jean Pierre y Luc Dardenne son dos hermanos cineastas belgas. Nacieron en la provincia valona de Lieja (Bélgica) en los años 50. Jean Pierre (1951) estudió arte dramático mientras Luc (nacido tres años después) estudió filosofía. Escriben, dirigen y producen juntos sus películas. Se han denominado a sí mismos como "una persona con cuatro ojos".

Los hermanos Dardenne comenzaron a hacer cine en 1974, trabajando en documentales durante la primera década de sus carreras. Realizaron unos 60 documentales con su propia compañía de producción, Derives. Sus documentales reflejan los mismos territorios que luego transitarán en sus películas de ficción: la inmigración, la resistencia durante la 2º Guerra Mundial o las huelgas generales de los años 60. Su primera introducción en la ficción se produce con dos películas poco conocidas: Falsch (1986) y Je pensé a vous (1992). Luc describiría más tarde la segunda de ellas como una aventura lamentable.

Sus películas

Ellos mismos consideran La Promesa (1996) como su primer largometraje de ficción propiamente dicho. Se trata de la película que lanzó sus carreras internacionales y que introdujo su familiar estilo: realismo costumbrista intensamente detallado, el uso de actores jóvenes y sin experiencia, tomas largas, cámara en movimiento que a menudo sigue de cerca a los personajes.  La promesa es la historia de Roger que con la ayuda de su hijo de quince años, Igor, viven de alquilar viviendas a los trabajadores inmigrantes. Pero cuando Hamidou, un trabajador de Burkina Faso, muere por culpa de Roger, será Igor quien asuma la responsabilidad de ayudar a la esposa de Hamidou y su bebé. La película, en palabras de un crítico, nos muestra el nacimiento de una conciencia en un entorno a la vez triste y esperanzador.

Con Rosseta (1999), su segunda película, llega su consolidación definitiva y su primer gran Premio Internacional, la Palma de Oro en Cannes, convirtiéndose en la primera película belga en recibir este galardón. Rossetta cuenta la historia de una joven de 17 años que vive en una caravana con su madre alcohólica y que no quiere otra cosa que un trabajo. Su actruiz protagonista, Émile Dequenne, que nunca antes había actuado en el cine, fue también galardonada con el Premio a la Mejor Actriz en Cannes. La película no sólo tuvo un impacto cinematográfico: una ley laboral diseñada para proteger a los trabajadores jóvenes, aprobada poco después en Bélgica, fue conocida como la ley Rossetta.

Las películas de los hermanos Dardenne se pueden considerar como de realismo social, pero son también dramas morales en los que se puede ver una dimensión metafísica. Como Ken Loach, estos hermanos belgas se interesan por personas de clase trabajadora y por sus luchas diarias, casi siempre de carácter económico. Pero donde las historias de Loach tratan el conflicto del individuo con el estado o las empresas, los Dardenne se preocupan por el problema de mantener la integridad moral. 

Por ello, la redención juega un papel importante en las películas de los Dardenne y así se puede ver en sus dos siguientes películas: El hijo (2002) y El niño (2005). El hijo, quizá la película más sutil y desafiante del dúo, cuenta la historia de un carpintero, Olivier, que se ve convertido en mentor del chico que mató a su hijo. El film muestra a Olivier observando al muchacho, preguntándose cómo acercarse a él. Parece estar iniciando un acto de venganza, pero el final sugiere que quizá el hombre ha redimido al fin el crimen del chico al convertirse en un nuevo padre para él. En El niño nos encontramos a un hombre irresponsable que vende a su bebé con la esperanza de que él y su novia puedan vivir con los beneficios. Gran parte de la película trata sobre su intento, primero, de recuperar al bebé, y luego de esquivar a la peligrosa banda con la que contrae una deuda por ello. Con esta película volvieron a hacerse por segunda vez y siete años después con la Palma de Oro de Cannes, festival con el que mantienen un especial idilio.

En su siguiente película, y penúltima hasta el momento, El silencio de Lorna (2008) tratan el tema de la inmigración. Lorna es una inmigrante albana que hará cualquier cosa por conseguir la nacionalidad belga y montar su propio negocio, incluso si ello supone tomar parte en la muerte por sobredosis del heroinómano con quien comparte un matrimonio de conveniencia. En 2011 estrenan su última película, El niño de la bicicleta, que cuenta la historia de un joven huérfano en busca de una madre.

Como expresa el crítico Jonathan Romney (Cahiers du Cinema, octubre 2011) los personajes de los hermanos Dardenne se guían por un propósito que los fuerza a enfrentarse al mundo, viéndose envueltos frecuentemente en acciones moralmente dudosas. Para el crítico, este dúo de cineastas ha logrado recuperar la idea de voluntad, revistiéndola de una energía narrativa que la hace muy distinta de la trivial fuerza del deseo que motiva con frecuencia el cine comercial. Para los hermanos Dardenne la voluntad es algo que impulsa al mundo, y es lo único que permite a los personajes sobrevivir, incluso cuando parece que un universo hostil está dispuesto a aplastarlos. Rosetta, su personaje más heroico, se ve impulsada por un deseo fiero y puro de sobrevivir, de construir una vida mejor para sí misma. Pero para hacer eso traiciona a un joven con quien traba amistad, denunciando sus crímenes de poca monta para arrebatarle su puesto de trabajo.

Otras curiosidades

Los hermanos Dardenne ruedan siempre sus películas en Seraing, una ciudad vecina a Lieja (donde viven) y construida sobre la industria del acero, con una importante historia de movimientos obreros pero en declive desde los años setenta, desembocando en la depravación mostrada en su cine.

La claridad y el rigor del estilo de los Dardenne emerge de su colaboración con un equipo habitual: el operador Marcoen, la montadora Marie-Hélene Dozo, el diseñador de producción Igor Gabriel, etc.

También trabajan regularmente con ciertos actores: Olivier Gourmet aparece en todas sus películas desde La Promesa, ya sea como protagonista (el terrateniente en La Promesa o Olivier en El hijo) o en cameos como policía, dueño de bar, vendedor de gofres. Otro actor, Fabrizio Rongione es una presencia habitual y amenazante interpretando al novio putativo de Rossetta, el criminal de Lorna... Pero la presencia más consistente en su cine es Jérémie Renie, visto primero como el independiente hijo del terrateniente en La Promesa, como el muchacho salvaje de El niño, como un yonqui condenado en El Silencio de Lorna y, ahora, en El joven de la bicicleta haciendo de un joven padre que aparece el tiempo suficiente para dar una fría despedida al hijo que le necesita desesperadamente.

Sus películas no tienen ninguna partitura musical o banda sonora. Una tendencia mínimamente rota en El silencio de Lorna donde escuchábamos unas notas musicales al final y en El niño de la bicicleta donde se escucha un adagio de Beethoven en los instantes claves en que se hace más evidente la soledad o la necesidad de afecto del protagonista.

Filmografía:

1987 Falsch

1992 Je pense a vous

1996 La promesse (La Promesa)

1999 Rossetta

2002 Le fils (El hijo)

2005 L´enfant (El niño)

2008 Le silence de Lorna (El silencio de Lorna)

2011 Le Gamin au velo (El niño de la bicicleta)

Premios:

1996 Seminci: Espiga de Oro (La Promesa)

1999 Cannes: Palma de Oro (Rossetta)

1999 Cannes: Mejor actriz para Émilie Dequenne (Rossetta)

2002 Cannes: Mejor actor para Olivier Gourmet (El hijo)

2005 Cannes: Palma de Oro (El niño)

2005 Guldbagge (Suecia): mejor película extranjera (El niño)

2008 Cannes: mejor guión (El silencio de Lorna)

2011 Cannes: gran premio del jurado ex-aequo (El niño de la bicicleta)

¡Colabora con nosotros!

Si puedes aportar algún dato sobre estos autores o puedes sugerirnos algún reportaje o entrevista aparecida en algún medio...

Escríbenos a cinedeguionistas@gmail.com

"Der Abschied" de Rodrigo Sopeña

Título: Der Abschied (La despedida)

Nacionalidad: España

Duración: 8 minutos

Año: 1999

Director: Pedro Molina

Guión: Rodrigo Sopeña

Actores: Josu Hans Roig, Isabella Leibrandt, Thomas Schröder, Patrick Breeze, Charlie Breeze, Tim Roig, Natalia Vera, Friederich Riehle.

Género: Drama.

Temas: niños, bélico, historia.

Premios:
Premio Kino´99 al mejor director.
Premio Kino´99 al mejor director.
Premio Kino´99 al mejor cortometraje.
Premio al mejor director menor de 25 años. Festival Caja Madrid de Cortometrajes.
Premio Kino Especial al mejor cortometraje FCOM de la década 1996-2005.

Sinopsis: una madre va cada día con su hijo al bosque. Es invierno. Nieva. Ella se siente a tejer mientras su hijo dibuja una flor hasta que un día el niño, aburrido, sube la colina y se encuentra con un grupo de niños que juegan a la guerra. Quiere jugar con ellos pero no le dejan porque no lleva un fusil. Contrariada, la madre vende el jersey que estaba tejiendo para poder comprarle a su hijo un rudimentario fusil de madera. Pero los niños se ríen ahora de su fusil y le pegan una paliza. La madre, asustada, se lleva a su hijo del bosque. 

Cortometraje realizado en 1999 por los alumnos de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra dentro de la asignatura Producción Cinematográfica.

¡Danos tu opinión sobre el corto!

¡Coméntalo!

Guionistas: Paul Laverty

Biografía: guionista escocés, aunque nacido en Calcuta en 1957. Estudia filosofía en Roma y leyes en  Glasgow. En 1980 viaja a Nicaragua, país en el que vive durante tres años trabajando para una organización de derechos humanos viviendo en directo los enfrentamientos entre sandinistas y los contras. Más tarde viaja a El Salvador  y Guatemala.

Como guionista. Tras su paso por Centroamérica, una experiencia que marca su vida, conoce a Ken Loach. Para él escribe su primer largometraje, Carla´s song. Esta colaboración se repite en 8 películas más: My name is Joe, Sweet sixteen y El viento que agita la cebada, Palma de Oro en el Festival de Cannes 2006, entre ellas.
Escribe también para otros directores: Clive Gordon (Cargo) y para la directora española, Icíar Bollaín (También la lluvia).

Premios:

Premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes 2002 por Sweet Sixteen.

Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2006 por El viento que agita la cebada.

Filmografía:
También la lluvia (2010)
Route Irish (2010)
Buscando a Eric (2009)
En un mundo libre (2007)
El viento que agita la cebada (2006)
Cargo (2006)
Tickets (2005)
Sólo un beso (2004)
11´09"01 September (fragmento sobre el Reino Unido, 2002)
Sweet Sixteen (2002)
Bread and Roses (2000)
My name is Joe (1998)
Carla´s Song (1996)

"Demasiado Tarde" de María y JOn Ros

Título: Demasiado tarde

Nacionalidad: España

Duración: 18 minutos

Año: 2011

Director: Jon y María Ros

Guión: Jon Ros y Sabiñe Gorricho

Actores: Javier Chocarro, Covadonga Peralta, Joxepe Gil e Iñaki Esparza.

Género: Acción

Temas: asesinatos, asesinos a sueldo.

Sinopsis: Lo peor de caer en una trampa es que para cuando te das cuenta ya es demasiado tarde. Y, a veces, eso supone acabar muerto a tiros en un garaje. Ésta, es una de esas veces.

Parte 1

Parte 2

"También la lluvia" Icíar Bollaín

Título: También la lluvia

Nacionalidad: España

Duración: 104 minutos

Año: 2010

Director: Icíar Bollaín

Guionista: Paul Laverty

Actores principales: Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo, Cassandra Ciangherotti, Carlos Santos.

Género: Drama

Temas: Drama social, cine dentro del cine

Premios: 3 Premios Goya (mejor actor de reparto para Karra Elejalde, mejor música original para Alberto Iglesias y mejor dirección de producción).

Festival de Berlín (Sección Panorama): Premio del Público.

Sinopsis: Cochabamba, Bolivia. Año 2000. Sebastiáin (Gael García Bernal) y Costa (Luis Tosar) se han propuesto hacer una película sobre Cristóbal Colón y el descubrimiento de América. Mientras que Sebastián, el director, pretende desmitificar al personaje presentándolo como un hombre ambicioso y sin escrúpulos; a Costa, el productor, sólo le importa ajustar la película al modesto presupuesto del que disponen; precisamente por eso elige Bolivia, por ser uno de los países más baratos y con mayor población indígena de Hispanoamérica. La película se rueda en Cochabamba, donde la privatización y venta del agua a una multinacional siembra entre la población un malestar tal que hará estallar la tristemente famosa Guerra Boliviana del Agua (abril del año 2000). Quinientos años después del descubrimiento de América, palos y piedras se enfrentan de nuevo al acero y la pólvora de un ejército moderno. Pero esta vez no se lucha por el oro, sino por el más imprescindible de los elementos vitales: el agua (FILMAFFINITY).

Análisis. Recuerdo, apenas era un mico instalado en la LOGSE, cuando descubrí ese largo concepto del teatro dentro del teatro. Leíamos Hamlet y en ella este recurso se empleaba como manera de remover la conciencia del asesino del padre de Hamlet al ver su crimen representado antes sus ojos.

Y este remover de conciencias está también en esta nueva película de Icíar Bollaín con guión de Paul Laverty, guionista habitual de Ken Loach. Cine social por tanto. Cine social que pretende mostrar que nada ha cambiado en la relación entre los débiles y los poderosos. Débiles y poderosos representados entonces por indígenas y por el imperio español; y que ahora encarnan el pueblo boliviano (los más pobres que lo siguen siendo los indígenas) y una multinacional apoyada desde el gobierno nacional.

Y de nuevo, en medio de la conocida como guerra del agua de Cochabamba, un grupo de españoles que pretende sacar adelante su película intentando mantenerse alejados de los problemas de los bolivianos. Una película que se sitúa tras la llegada de Colón a América y que reivindica la figura de aquellos religiosos que desde sus pequeñas iglesias en el Nuevo Mundo defendieron fervientemente la dignidad de los indígenas y denunciaron los abusos cometidos.

En esos personajes reside el mayor interés de la historia pues son punto de unión entre una época y la otra. Unos personajes que parten desde una primera incoherencia: hacen una película defendiendo al indígena mientras se desentienden por completo de la nueva lucha que en esos momentos, esos mismos indígenas, están llevando a cabo. Lo cual no deja de ser una incómoda incoherencia (muy propia de nuestra época) por mucho que busquemos excusas para justificarnos: la denuncia que estamos realizando con esta película perdurará durante años, mientras que estas revueltas se olvidarán mañana, se dice el director.

Son, por tanto, personajes negativos. No hay héroes entre ellos. Su único interés es rodar barato (se jactan de pagar dos dólares por día de trabajo a los figurantes indígenas), sin contratiempos (presionan a su actor indígena con mayor peso para que no vaya a las protestas hasta que el rodaje haya acabado) y con seguridad (en cuanto las cosas se ponen feas, olvidan a los heroicos personajes a los que interpretan y que lucharon por defender a los indios y no quieren sino abandonar Bolivia lo antes posible). La doble moralidad tan presente en nuestra época y que tiene en su origen el egoísmo y el interés de cada uno.

Pero Bollaín, como ya demostro en Abre los ojos, no tiene ninguna intención de juzgar a sus personajes, solamente los deja actuar libremente interactuando con la realidad que les ha tocado vivir. Sólo Costa, el productor de la película (interpretado por Tosar), cuando se encuentra ante una situación límite, será capaz de actuar, pero llevado por los circunstancias y sin ningún asomo de heroísmo en su comportamiento (como demuestra el hecho de que dice que jamás volverá a Cochabamba).

El gran valor de Icíar Bollaín es para mí su objetividad, ese saber auto-enajenarse de la historia y dejar qué esta y los personajes transcurran libremente. Seguramente, Loach, con el mismo guión, se habría preocupado de formalizar un discurso con una mayor carga ideológica, con diálogos cargados de contenidos para dejarle claras las cosas al espectador y habría introducido además, por si pudiera quedar alguna duda, un personaje que sirviera como ejemplo de comportamiento comprometido y solidario. Para Bollaín, lo más cercano a ese personaje sería el interpretado por Karra Elejalde, un personaje que por lo menos es consciente y acepta las contradicciones y esa doble moral en que se mueve.

Si en algo debemos fijarnos (yo al menos lo hago) de la filmografía de esta directora es en la construcción de sus personajes. Unos personajes humanos que aportan una impronta de vitalidad y realismo a sus películas. Aunque bien es verdad que en esta ocasión se ha dejado seducir por la tentación de ofrecer una imagen mitificada del indígena. Porque si bien en un momento de la película, cuando el equipo de la película es recibido por las autoridades locales, se dan argumentos contra la revuelta indígena (y sobre cómo su postura está poniendo en peligro el progreso del país), no profundiza después en ellos. Tampoco creo que sea el objeto de la película, que va más bien por hablar sobre esa doble moralidad de occidente que crea ficciones sobre tiempos pasados para hacer denuncia social cuando en verdad la realidad no les importa.

Quiero destacar, ya para acabar, la escena de la lectura del guión en el jardín del hotel (ensayan la escena del desembarco de Colón) y la acertada manera en que se mezclan las escenas de la película que están rodando (vemos siempre las escenas en sí y no el farragoso proceso del rodaje) y la realidad presente.

VALORACIÓN: **** (sobre 5)

"Gracias, las justas" de David Gurucharri

Título: Gracias, las justas
Nacionalidad: España
Duración: 26 minutos
Año: 2010

Director: David Gurucharri
Guión: David Gurucharri
Actores: Asier Sesma, Cristina Mangado, Maite Lizarraga, Manuel Hurtado, Juan José Ayucar, Amaya Lastra, Rubén Sanz de Galdeano, David Roig

Género: comedia.
Temas: amor, extraterrestres.

Sinopsis: Marcos conoce a su nueva vecina cuando regresa de trabajar y pasa la noche con ella. A la mañana siguiente, cuando va a trabajar, dos hombres le persiguen. Marcos ha sido infectado por un parásito cósmico que ahora crece en su vientre un alienígena y ellos, los Men in Black, deben remediarlo. Marcos, embarazado, deberá huir mientras la criatura que gesta en su interior va aumentando de tamaño. 

Parte 1

Parte 2

Guionista y director: Pablo Trapero

Biografía: Nació en San Justo (Buenos Aires) en 1971. Realizó sus estudios cinematográficos en la Universidad del Cine de Buenos Aires y dio sus primeros pasos en el mundo del cortometraje. En 1994, tras no obtener buenos resultados en varios concursos de cortos, se decidió a invertir unos pocos ahorros en Negocios, cuya historia transcurre en el negocio de venta de repuestos para coches de su padre y en el que actuó toda su familia. Con este corto ganó por fin en el Festival de Mar de Plata y en el concurso que organizaba el programa El acomodador.

De nuevo, tras no interesar a ningún productor con su guión de Familia rodante, pidió una beca del Fondo Nacional de las Artes para llevar a cabo su primer largometraje junto con algo del dinero obtenido en los concursos anteriores y algunos ahorros. Trapero encaró así la experiencia de producir su primer largo Mundo Grúa que costó 40.000 pesos e incontables horas de trabajo. La película se estrenó en 1999 y cosechó múltiples elogios y se alzo con el premio a Mejor Dirección y Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. Compitió también entre otros en los festivales de Venecia (Premio de la Crítica), Rotterdam (Mejor Película) y La Habana (Premio Especial del Jurado) recibiendo numerosos premios. La película se estrenó comercialmente en Estados Unidos y Europa.

En 2001 presenta su mediometraje Naikor en los festivales de Locarno, Rotterdam y Buenos Aires, entre otros. En esta obra, de escasos 45 minutos, encara un género sumamente particular: el del falso documental. También en 2001 coprodujo La libertad, de Lisandro Alonso.

Su segunda película, El Bonaerense, tuvo gran repercusión al presentarse en la sección Un certain regard del Festival de Cannes. El estreno comercial fue en septiembre de 2002 con una muy buena recepción por parte de la crítica y del público. La película aborda los temas de la inseguridad y de la desocupación narrados desde dentro del marco de la corrupción policial. Su cuidada estética y el buen manejo de los tiempos la han transformado en una de las obras más importantes del cine argentino.

Continúa su trayectoria como productor fundando la compañía Matanza Cine que se dedica a producciones de cine independiente tanto nacionales como coproducciones latinoamericanas y documentales. Con ella produce el documental Ciudad de María de Enrique Bellande que tiene un largo recorrido por festivales de todo el mundo; Sarasa ,un telefilm documental y La mecha de Raúl Perrone (Premio Especial del Jurado en Friburgo).

En 2004 presenta finalmente Familia rodante, su tercera película como director en la Selección Oficial del Festival de Venecia, participando luego en los festivales de Toronto, New York, Río de Janeiro y La Habana, entre otros. Como productor realiza Decir tu nombre de la directora argentina Albertina Carri y las coproducciones chileno-argentina-española Mi mejor enemigo de Alex Bowen y la boliviana-cubana-argentina Di buen día papá de Fernando Villazón.

Sus últimas películas han sido Nacido y criado (2006), Leonera (2008) sobre una mujer que tiene que criar a su hijo en la cárcel y Carancho con la que vuelve a sumergirse en el mundo de la corrupción. Sus dos últimas películas fueron presentadas en la Sección Oficial de Cannes.

Pablo Trapero es uno de los máximos exponentes del nuevo cine argentino surgido a mediados de los años noventa. Sus películas son de corte realista, casi documentales, en las que retrata a gente normal en actividades cotidianas, destacando siempre las injusticias de la sociedad contemporánea.

Filmografía:

Cortometrajes:

Mocosa malcriado (1993)

Negocios (1995)

Naikkor (2001)

Nómade (2010)

Largometrajes:

Mundo Grúa (199)

El bonaerense (2002)

Familia rodante (2004)

Nacido y criado (2006)

Leonera (2008)

Carancho (2010)

La cuadrilla de Ken Loach

Título: The navigators (La cuadrilla)

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 93 minutos

Año: 2001

Director: Ken Loach

Guionista: Rob Dawber

Actores principales: Dean Andrews, Tom Craig, Joe Duttine, Steve Huison

Género: Drama social

Temas: Cine social, Cine de denuncia, Relaciones laborales.

Premios: Festival de Venecia: Mejor Banda Sonora Original. Premio Especial.

Sinopsis: La Cuadrilla sigue los avatares de un grupo de operarios que trabajan en la reparación de vías del ferrocarril del sur de Yorkshire en la época de la privatización de los ferrocarriles británicos. Cuando el supervisor Harpic da a Paul, Mick y al resto de la cuadrilla las nuevas normas de trabajo ("la declaración de principios de la compañía"), el pago según el trabajo realizado y las vacaciones no pagadas les parecen una broma. Pero poco después el equipo se ve obligado a hacer una elección muy clara: o aceptar la indemnización concedida a los trabajadores despedidos por exceso de personal y pasar a tener una vida laboral como trabajadores eventuales, o bien trabajar para la nueva compañía aceptando las nuevas reglas.

Análisis: Ken Loach pone siempre el guión al servicio de una idea que quiere transmitir. En este caso la idea surge de Rob Dawber, un combativo trabajador de los ferrocarriles que tras ser despedido a raíz de la privatización de las líneas ferroviarias en 1994, decide escribir un guión que posteriormente envia al director inglés. Y, de acuerdo a ese objetivo, la película resulta totalmente eficaz. Las de Loach son siempre películas que te hacen reflexionar y que te presentan y descubren problemáticas que no te habías planteado.

Y en este caso, como ya he dicho, se nos cuenta con maestría cómo fue el proceso de privatización de las líneas ferroviarias y los efectos que ello produjo: más accidentes laborales, menos estabilidad laboral... La película se estructura sobre el conflicto planteado a los miembros de una cuadrilla de trabajo de ferrocarriles: aceptar el despido y trabajar a partir de entonces como autónomos con contratos por obra y servicio, con peores condiciones pero ganando más dinero o quedarse en la empresa aunque pasen buena parte del tiempo sentados sin hacer nada. Sólo uno de ellos, alter ego de Rob Dawber, se mantiene firme en la empresa y no acepta el despido. Los demás tentados por el dinero se van. Y sufrirán las consecuencias de esa decisión. Con Loach no hay medias tintas, el camino justo está marcado y salirse es castigado.

Hasta ahí todo perfecto. Te gustará más o menos dependiendo de lo cercano que te sientas a tu ideología. Pero hay que reconocerle su capacidad para describir la vida (la rutina, los problemas) y plasmar el ambiente de las clases más bajas. Por ejemplo, la escena de la primera reunión; cuando el jefe lee a la cuadrilla las nuevas normas de la empresa resulta de una gran naturalidad: las bromas entre obreros, el habla popular...

Pero tiene debilidades derivadas de someter el guión a la idea que se quiere transmitir: el final resulta totalmente previsible y las historias personales de los personajes no están suficientemente desarrolladas. Recordemos que la película se centra en dos de los obreros, uno de los cuales está en proceso de separación. Sin embargo, no se profundiza demasiado en ellos y sus historias acaban pareciendo un pegote en la película que además queda inconcluso. Aunque la pregunta más correcta sería ¿por qué introduce a estos dos personajes individuales cuando la película entera se mueve a nivel grupal? Porque como bien explica el título la película va sobre una cuadrilla de obreros y sobre cómo son engañados durante los años de privatización de las líneas ferroviarias en Inglaterra.

Si el cine es lugar para hacer ideología será una cosa que discutiré mañana.

Valoración: ** (sobre 5)

Cortometraje: Dolly de David Pinillos

Título: Dolly (cortometraje)

Nacionalidad: España

Duración: 17 minutos

Año: 2007

Director: David Pinillos

Guionistas: David Pinillos, Juan Carlos Rubio

Actores principales: Álex González, Xenia Tostado y Miguel Ángel Silvestre.

Género: Romántico. Drama.

Temas: Amor, Amistad

Premios:

Sinopsis: Dani tiene 22 años, una beca para pasar en California el próximo año y la angustiosa necesidad de confesarle a la novia de su mejor amigo que está enamorado de ella. Tras la inevitable fiesta de despedida, un paseo en un solitario parque se convierte en la última oportunidad para hacerlo. Ahora o nunca. Esos 15 minutos se cargan de silencios, de miradas, de recuerdos, de respuestas intranscendentes, pero... ¿y la verdad? ¿es un cuarto de hora suficiente tiempo para llegar a la verdad?

Dolly, David Pinillos

Guionista y director: David Pinillos

Biografía: (Segovia, 1974). Se estrena en el guión y en la dirección de largometrajes con Bon Appétit (2010), una película co-producida junto con Alemania y Suiza y rodada en inglés en Zurich. Fue premiado con el Goya a la mejor dirección novel por esta historia de un cocinero español que cumple su sueño de trabajar en uno de los mejores restaurantes suizos, aunque todo eso no parecerá tan importante cuando conozca a Hanna, la sumiller del restaurante.

Anteriormente, en el año 2007, escribió y dirigió su primer y único cortometraje hasta el momento, Dolly, de temática también amorosa. Trata sobre un joven de 22 años, Daniel (como el protagonista de Bon appetit) que tiene una beca para estudiar el próximo año en California y la angustiosa necesidad de confesarle a la novia de su mejor amigo que está enamorada de ella. Tras la fiesta de su despedida, un paseo en solitario se convierte en la última oportunidad para hacerlo.

Premios:

Goya a la Mejor dirección novel por Bon Appetit (25º edición. Año 2011)

Festival de Málaga: Premio Especial del Jurado "Biznaga de Plata" por Bon Appetit

Festival de Málaga: Premio Egeda al Mejor Guión por Bon Appetit.

Ambas producciones las ha realizado junto a Morena Films donde, desde hace años, trabaja como montador, función en la que acumula ya una larga trayectoria y alguna nominación a los Goyas (Gordos, 2009). Entre algunas de las películas que ha montado se encuentran: La vergüenza, de David Planell; Sexykiller de Miguel Martí, 8 citas de Rodrigo Sorogoyen y Peris Romano o Películas para no dormir: La habitación del niño, de Álex de la Iglesia.

Como bien nos cuenta Pedro Uriol, productor de la película: "David ya había trabajado en más de una ocasión con Morena Films como montador... Descubrí que tras el excelente y cultivado profesional, se esconde una persona con una sensibilidad exquisita y un agudo sentido del humor... Y a pesar de no haber dirigido nunca, David auna dos de las cualidades más necesarias para un director: sensibilidad y técnica".

Filmografía:

Bon Appetit (2010)

Dolly (cortometraje, 2007)

¡Ayúdanos!

Si puedes aportar alguna información

por favor, escríbenos a

cinedeguionistas@gmail.com

Bon appétit de David Pinillos

Título: Bon appétit

Nacionalidad: España

Duración: 90 minutos

Año: 2010

Director: David Pinillos

Guión: David Pinillos, Juan Carlos Rubio, Paco Cabezas

Actores principales: Unax Ugalde, Nora Tschirner, Guilio Berruti, Herbert Knaup.

Género: Romance. Drama.

Temas: Cocina

Premios: Premios Goya: mejor dirección novel. Festival de Málaga: Premio Especial del Jurado, Mejor Guión y Mejor Actor (Unax Ugalde).

Sinopsis: Daniel es un joven y ambicioso chef español que acaba de conseguir su sueño: una plaza en el prestigioso restaurante de Thomas Wackerle en Zurich. Su extraordinario talento le servirá para progresar en la exigente cocina de Wackerle, pero no podrá evitar que su relación con Hanna, la atractiva sumiller del restaurante, se transforme en algo más que una simple amistad. Esta inesperada situación volverá del revés el ordenado mundo de Daniel y le hará plantearse una difícil cuestión: ¿merece la pena arriesgar tu carrera profesional por amor?

Análisis: Si la vida fuera como en una película... Yo te querría. Y tú me querrías a mí. La vida nos sonreiría y nuestro amor parecería no tener fin. Pero como se dice en esta película de ambiente culinario: nuestro amor no tiene receta. Y el guión de esta película tampoco.

La película quiere alejarse a toda costa de los lugares comunes de la comedia romántica, lo cual lleva a los dos jóvenes enamorados a la frustración, pues no ven colmadas sus aspiraciones; pero dotando a la vez a la película de realismo. Cuando en una comedia romántica los jóvenes se enamoran, todos los elementos parecen confabulados para que el amor triunfe (era su destino); en Bon Appétit, sin embargo, es al revés (el destino no está de su parte).

Y esa consciente negación del género romántico (lo que vais a ver aquí no es lo que sucede en las películas) se traduce en un constante juego de ruptura de nuestros esquemas habituales. Ocurre por ejemplo al principio, en la presentación de los personajes en el primer día de trabajo en el restaurante. Al conocer al guapísimo cocinero italiano enseguida, siguiendo tus esquemas habituales, lo encasillas como uno de los vértices del triángulo amoroso (el rival de Daniel por el amor de Hanna). Sin embargo es Thomas, el chef (ya cincuentón y casado) del que Hanna está enamorada. Y supones también que el italiano será un personaje despreciable, un chulo. Sin embargo es el personaje que mejor sale parado en la película y el único que no presenta rasgos negativos. Al revés, es incluso un personaje demasiado perfecto e íntegro.

Y este juego de crear expectativas en el espectador que después se ven defraudadas continúa toda la película y de alguna forma la sustenta. Extremo que se ve reforzado por la presencia de unos personajes principales que con sus decisiones frustan cada momento en que parece que su relación amorosa puede triunfar. Hanna sigue enamorada de Thomas a pesar de que éste la engaña con falsas promesas de futuro y siempre acaba volviendo a sus brazos. Daniel a su vez se debate entre su progreso profesional (es demasiado ambicioso) y el amor hacia Hanna.

Por tanto, una película que conscientemente busca alejarse de los clichés de las películas románticas; dotándose así de un aire más realista en el que las cosas no son tan fáciles y no siempre el destino, ni nosotros mismos con nuestras decisiones y sentimientos, nos lleva por el buen camino ni nos une a la persona que más nos conviene. No hay receta para la vida.

Valoración *** (sobre 5)